長年いろいろなCDを扱っていると、倉庫には不思議な在庫が残っていきます。

　売れ筋だったのになぜか最後の1本だけ残ったもの。

　面白いアルバムなのに、知られないまま2本だけ眠っていたもの。

　有名演奏家の名盤もあれば、
　「こんなCD、よく仕入れたなあ（笑）」という超マイナー盤もあります。

　今回は、そんなアリアCDの倉庫に残っていた各1、2本のCDを集めて、一気に超特価で放出します。

　改めて一枚一枚見直してみると――

　いや、これ、売れ残っているのがもったいない。

　というアルバムが結構あるんです。

　メジャーな名曲・名演から、知られざる作曲家、珍しい編曲、ちょっと変わった企画盤まで。

　安いから並べたのではありません。

　安くなって、しかも面白いものを並べました。

　ただし、在庫は本当に各1、2本だけ。

　そのため、ご注文が重なった商品につきましては、申し訳ありませんが抽選とさせていただきます。

　早い者勝ちではありませんので、じっくりご覧ください。

　こういうセールは、思いもよらない一枚と出会えるのがいちばん面白い。

　アリアCDの倉庫の奥から出てきた、最後の1本、最後の2本。

　どうぞ宝探し気分でお楽しみください。

ＡＣＴＥ　ＰＲＥＡＬＡＢＬＥ

　《蝶々の舞》《地の精たちの踊り》《象たちの行進》《鍛冶屋で》《村の鐘》……。
　曲名を見ているだけで、ちょっと聴いてみたくなりませんか？

　ジョアキン・アントニオ・バホゾ・ネット（1881-1941）。

　ブラジルの作曲家です。

　おそらくほとんどの方が「誰？」でしょう。

　でも、この人のピアノ曲がなかなか面白い。

　蝶々が舞い、地の精が踊り、象が行進する。鍛冶屋の音が聞こえ、村の鐘が鳴る。そして最後には《生きる喜び》。

　難しい顔をして聴く音楽ではありません。

　日常の風景や子供の世界、ちょっとした感情を、小さなピアノ曲に次々と閉じ込めていく。

　そこにはヨーロッパのロマン派の香りがありながら、時折ふっとブラジルらしいリズムや色彩も顔を出します。

　知らない作曲家だからこそ、面白い。

　「こんなピアノ曲がブラジルにあったのか。」

　そんな小さな発見が次々と現れる、愛すべきピアノ小品集です。

　いきなり《悪魔のセレナード》。
　その次が《むかしむかし》。

　さらに、

　《危険な冒険》
　《初めての悲しみ》
　《操り人形の踊り》
　《悲しい微笑み》
　《ハンモックの上で》
　《何でもない》
　《旋風》……。

　何なんでしょう、この作曲家（笑）。

　ジョアキン・アントニオ・バホゾ・ネット（1881-1941）。

　ブラジルにこんな面白いピアノ小品を大量に残した作曲家がいました。

　第1集以上に、この第2集は万華鏡。

　悪魔が現れたかと思えば子供の世界へ行き、アラビア風になったり、ワルツになったり、そしてブラジルならではの《ショーロ》も登場する。

　小さな曲を次から次へと聴いているうちに、知らない作曲家の世界へいつの間にか引き込まれてしまいます。

　そして曲名だけ見るとかわいらしい小品集のようですが、《無窮動》《ワルツ＝スケルツォ》《ワルツ＝カプリス》など、ピアニスティックな聴きどころもしっかり。

　「有名な名曲はもう十分聴いた」という方にこそ、こういう一枚を。

　ブラジルの知られざるピアノ世界。

　まずは《悪魔のセレナード》からどうぞ。

APARTE

BERLIN CLASSICS

　ハイドンとザロモンという因縁の二人の作品を、「もうひとりの’ミドリ’」天才ザイラーが弾く。


ハイドンの協奏曲が、これほど瑞々しく、これほど雄弁だったとは

ミドリ・ザイラーとコンチェルト・ケルン――古典派演奏の理想形とも言える顔合わせが実現した、ハイドンのヴァイオリン協奏曲集。イ長調、ト長調、ハ長調の3曲はいずれも、作曲家ハイドンの機知と歌心が凝縮された名作ですが、本盤ではそれらが生き生きと会話し、呼吸し、踊り出す。

ザイラーのヴァイオリンは、艶やかさを誇示するのではなく、音楽の流れそのものを導く存在。軽やかなアーティキュレーション、自然な装飾、そしてフレーズの終わりに宿る品格が、ハイドンの音楽を理想的な姿で浮かび上がらせます。コンチェルト・ケルンの引き締まった古楽器サウンドも絶妙で、伴奏に回る瞬間ですら音楽が止まらない。

ザーロモンの《ロマンス》が添えられている点も見逃せません。ハイドンのロンドン時代を支えた名ヴァイオリニストの作品を並べることで、当時の演奏文化そのものが立体的に見えてくる。選曲のセンスも含め、完成度の高い一枚です。

華美ではない、しかし決定的に美しいハイドン
古典派協奏曲の“お手本”としても、純粋に聴いて楽しい一枚としても、強くおすすめ。

BR KLASSIK
バイエルン放送交響楽団自主製作盤

　昔、「50年後が楽しみな指揮者」と書いた。
　まさか、その25年後の《シベ2》を聴くことになるとは。

　ヤンソンスのシベリウス第2番。

　店主にはちょっと思い出があります。

　1992年、ヤンソンスがオスロ・フィルと録音した《シベ2》を聴いて、その若々しい勢いと燃焼力に感心しながら、

　「50年後が楽しみな指揮者」

　なんて、ちょっと意地悪なことを書いた覚えがあります。

　あれから23年。

　2015年、ヤンソンスは今度はバイエルン放送交響楽団を前に、再び《シベリウス第2番》を振りました。

　若き日のオスロ・フィル盤とは当然違う。

　勢いだけで押していくのではなく、オーケストラの深い響きを引き出しながら、大きなうねりを作り、やがて終楽章のあの壮大なクライマックスへ。

　しかもスタジオ録音ではなく、2015年ミュンヘンでのライヴ。

　この年はシベリウス生誕150年。ヤンソンスとバイエルン放送響がシベリウスに真正面から向き合ったコンサートの記録です。

　さらに《フィンランディア》《カレリア組曲》も収録。

　1992年、オスロ。
　2005年、コンセルトヘボウ。
　そして2015年、バイエルン。

　ヤンソンスが長い年月をかけて向き合ってきた《シベリウス第2番》。

　結局「50年後」を聴くことは叶いませんでした。

　でも、23年後に残されたこの演奏があります。

　ヤンソンス晩年の《シベ2》。

RADIO SERVIS

　「プラハの春音楽祭」音楽祭委嘱作品を集めた
ブルー・エディション・シリーズ

EVIDENCE

仏HARMONIA MUNDI

　ルイ14世が、毎週日曜日に楽しんでいた音楽。

　1714～15年、晩年のルイ14世はクープランら少数の音楽家たちに、毎週日曜日、王のための小さな音楽会を開かせていました。

　そこで演奏された作品をもとに生まれたのが、この《王宮のコンセール》。

　面白いのは、クープランが楽器編成を厳密に指定しなかったこと。

　そこで今回は、2台のチェンバロを中心に、ときおりテオルボやバロック・ギターを加えて演奏。大編成の華麗な宮廷音楽ではなく、王のすぐそばで奏でられていたような、親密で優雅なヴェルサイユの音楽を蘇らせます。

　演奏はフランス古楽界で活躍するピエール・ガロンとマチュー・ブティノー。

　300年前の日曜日、ヴェルサイユで王様が聴いていた音楽。
　それを2台のチェンバロで味わう。

　現代を代表するヴァイオリニスト、イザベル・ファウスト。その評価を決定的なものにした録音のひとつが、J.S.バッハの《無伴奏ヴァイオリン・ソナタ＆パルティータ》でした。

　これはその第2弾。ソナタ第1番、パルティータ第1番、ソナタ第2番の3曲を収録しています。

　ファウストのバッハは、重々しく歌い込むタイプではありません。

　余計なものを削ぎ落としたような透明な響き、しなやかなリズム、そして一本一本の音がすっと立ち上がってくるような鮮烈さ。

　しかも使用楽器は、1704年製ストラディヴァリウス、通称「スリーピング・ビューティー」。

　ファウスト自身がその音を「レーザーのようにまっすぐ」と表現したという銘器です。

　ファウストと“眠れる美女”が奏でる、ただならぬバッハ。

　2011年録音、HARMONIA MUNDIを代表する名盤のひとつ。

　まだ《20番》も《21番》も《23番》もなかった。
　モーツァルト、ウィーンで勝負に出る。

　1781年、25歳のモーツァルトはザルツブルクの大司教と決裂し、ウィーンでフリーの音楽家として生きていくことを決意します。

　そこで重要になったのが、「ピアニスト・モーツァルト」。

　自ら演奏会を開き、自分でピアノを弾き、自作の協奏曲でウィーンの聴衆を魅了する――。

　そんな時代に生まれたのが、この第11番、第12番、第13番です。

　しかもモーツァルト、なかなか商売上手。

　管楽器を加えた華やかな編成でも演奏できる一方、弦楽四重奏だけでも伴奏可能。「大きな演奏会だけでなく、ご家庭でもどうぞ」というわけです。

　そして、この時代のモーツァルトを聴くなら、現代の巨大なグランド・ピアノではなく、モーツァルトの時代のフォルテピアノで聴いてみたい。

　そこでクリスティアン・ベザイデンホウト。

　フライブルク・バロック・オーケストラを相手に、軽やかに飛び跳ね、歌い、時にはいたずらっぽく仕掛ける。

　「大作曲家モーツァルト」になる少し前。
　ウィーンで自分の腕一本で勝負し始めた、20代のモーツァルト。

　その姿が見えてくるような3曲。

　有名な後期協奏曲とはひと味違う、若きモーツァルトをぜひ。

　1824年、シューベルトはどん底にいた。
　そして1825年、再び光が差し始める。

　このアルバムのタイトルは《光と影》。

　ただのシューベルト歌曲集ではありません。

　1824年、27歳のシューベルトは病に苦しみ、親しい友人たちもウィーンを離れ、孤独と失意の中にいました。

　ところが翌1825年。

　友人で名歌手のフォーグルとともにオーストリア各地を旅したシューベルトは、美しい自然と人々との交流のなかで次第に活力を取り戻していきます。

　暗闇の1824年から、光が戻ってきた1825年へ。

　その二年間に生まれた歌曲を中心に、一人の作曲家の心の変化をたどっていくのがこのアルバムです。

　《若き尼》《全能の神》《郷愁》《夕映えに》、そして最後にはゲーテによる名曲《さすらい人の夜の歌》――。

　歌曲の間にはシューベルトのレントラーやドイツ舞曲も挟まれ、まるで1820年代のシューベルトの世界を歩いているよう。

　歌うのは、2018年エリーザベト王妃国際音楽コンクール声楽部門を制したドイツのバリトン、サミュエル・ハッセルホルン。

　シューベルト27歳から28歳。
　絶望から、再び生きる力を取り戻すまで。

　そんなふうに聴くと、一曲一曲がまったく違って聞こえてきます。

HYPERION

　《ヴァイオリン協奏曲》のブルッフ。その前に、こんな音楽を書いていた。

　ブルッフといえば、もちろん《ヴァイオリン協奏曲第1番》。

　あの名曲は作品26。

　ところが、このアルバムの冒頭に収められたピアノ三重奏曲は――

　作品5。

　まだ10代だったブルッフが書いた、驚くほど早い時期の作品です。

　さらに弦楽四重奏曲第2番も作品10。

　つまりこれは、「ヴァイオリン協奏曲のブルッフ」になる前の若き作曲家が、室内楽の世界で何をやっていたのかを聴けるアルバムでもあるのです。

　そして面白いことに、聴こえてくるのは決して珍曲・習作という感じではない。

　美しい旋律、濃厚なロマンティシズム、どこかブラームスやメンデルスゾーンを思わせる響き――その向こうから、やがてあのヴァイオリン協奏曲を書くブルッフの姿が見えてくる。

　後半には、チェロとピアノの《4つの小品》、ヴィオラとピアノの《ロマンス》も収録。

　演奏は英国室内楽界の名門、ナッシュ・アンサンブル。

　ブルッフは、あのヴァイオリン協奏曲だけじゃなかった。

　いや、その名曲が生まれるずっと前から、こんなに美しい音楽を書いていた。

　ブルッフ好きなら、ぜひ一度。

　ラモーといえば18世紀フランス、そして本来はクラヴサンの世界。

　ところがアンジェラ・ヒューイットは、これを現代のピアノで弾く。

　《めんどり》では鶏がせわしなく動き回り、《未開人》では強烈なリズムが炸裂。《エンハーモニック》では、300年前の音楽とは思えないような不思議な和声が現れる。

　そう、ラモーは「上品なフランス・バロック」で片付けるには、あまりにも音楽が面白い。

　そしてバッハ演奏で一時代を築いたヒューイットだけに、声部をくっきりと浮かび上がらせながら、ピアノならではの強弱と色彩を加えていく。

　チェンバロで聴くラモーとは、また別世界。

　鶏は走る。未開人は踊る。そして和声は時代を飛び越える。

　「ラモーって、こんなに面白かったのか」と気づかせてくれるヒューイットの一枚です。

MIRARE

　バッハの無伴奏ヴァイオリン曲を、ヴィオラ・ダ・ガンバで弾いたら？

　このアルバム、まずはバッハが残した3曲のヴィオラ・ダ・ガンバ・ソナタをまとめて収録。

　これだけでもガンバ好き、バッハ好きにはうれしい一枚なのだが、途中でちょっと面白いことをやっている。

　あの無伴奏ヴァイオリン・パルティータ第3番 BWV1006の有名な《プレリュード》を、ヴィオラ・ダ・ガンバで弾いてしまうのである。

　ヴァイオリンなら高音域を駆け抜けていく華麗な音楽。それを低く渋いガンバで聴くと、同じ曲なのに景色がガラリと変わる。

　演奏はマルゴー・ブランシャール。そしてチェンバロは、「50年に一人の天才」とまで評されたディエゴ・アレス。

　主役と伴奏というより、ガンバとチェンバロという二人の名手が対等に会話するバッハ。

　いつものバッハ。でも、音色が変わるだけでこんなに違う。

　チェロが5台集まった。ところが、クラシックを弾かない。

　弦楽五重奏でもない。
　チェロ名曲集でもない。

　5人のチェリストだけで、まったく新しい音の世界を作ってしまった一枚。

　中心人物はフランスのチェリスト、ポール・コロン。

　クラシックを出発点に、即興、ジャズ、エレクトロニクス、インド音楽などさまざまな世界を吸収し、4人のチェリストと結成したのがこの**「ブルー・クインテット」**。

　音楽も実に不思議。

　インドの大都市バンガロール、オーストラリアの奥地、草原、蜃気楼、低地……世界各地から受けた印象を、5台のチェロだけで描いていく。

　あるときは低音が地面を這い、あるときはリズムを刻み、あるときは何本ものチェロが重なって巨大な一つの楽器のようになる。

　「チェロって、こんな音楽もできるのか。」

　バッハでもブラームスでもない。
　かといってジャズともポップスとも違う。

　ちょっと不思議で、ちょっとカッコいい。
　夜にぼんやり流しておくのもよさそうな、5台のチェロによる音の旅。

　こういうCDこそ、MIRAREらしい冒険かもしれません。

NAIVE

　「バッハの管弦楽曲、もっと聴きたい！」
　だったら、作ってしまおう。

　なんとも大胆なアルバムである。

　バッハには《管弦楽組曲》が4曲ある。

　でも、もっとあったら聴いてみたい――。

　そこでリナルド・アレッサンドリーニが、バッハの鍵盤作品などを使って、**「存在しないバッハの管弦楽曲」**を作ってしまった。

　たとえば有名な鍵盤曲《フランス風序曲》BWV831。

　これをニ短調に移し、オーボエ2本、ファゴット、弦楽器、通奏低音のための壮麗な管弦楽作品に変身させる。

　さらに《フランス組曲》《パルティータ》《ヴァイオリン・ソナタ》など、あちこちから楽章を集めて、新しい「パルティータ」と「管弦楽組曲」まで作ってしまった。

　ところが面白いのは、これが編曲ものを聴いている感じがほとんどしないこと。

　「え？ バッハって、こんな管弦楽組曲も書いていたんじゃないの？」

　と思ってしまうほど自然なのである。

　それをやっているのが、リナルド・アレッサンドリーニ＆コンチェルト・イタリアーノなのだから、面白くないはずがない。

　アルバム・タイトルは、

　《More Bach, Please!》
　――バッハを、もっと！

　まさにその通り。